Oper Frankfurt: Die Trojaner – Opera Frankfurt: Les Troyens

Nein kein Bild aus der Oper. Dauer der Oper: vier Stunden und fünfzig  Minuten (4 Stunden 50 Minuten) mit zwei Pausen von insgesamt 50 Minuten. Also 4 Stunden stillsitzen und Musikhören. Irgendwie anstrengend. Man hat halt das Abo. Gelohnt hat sich der Besuch allemal.
No, no photo from the opera. Duration of the opera:  four hours and fifty minutes (4 hours 50 Minutes) with two breaks of altogether 50 minutes. That means 4 hours sitting quietly and listening to music. Somehow exhausting. But one has simply a subscription. The visit was worth certainly.

Les Troyens / Die Trojaner

Hector Berlioz 1803-1869
Menschen flüchten, vom erbarmungslosen Krieg in ihrer Heimat aufs Äußerste traumatisiert, über das Mittelmeer in ein reiches Land, das sie am Ende wieder verlassen, um die Utopie eines eigenen Staates wirklich werden zu lassen. Ein trauriges Geschehen, mit dem die Weltgeschichte in Variationen immer wieder auf den Plan tritt.
Hector Berlioz erblickte seine Epoche mit den Augen eines von Zukunftsvisionen getriebenen Fremden. Des Komponisten und Poeten halbherzige Versuche, dem auf Fortschritt, Expansion und imperiale Weltmachtansprüche eingeschworenen Zeitgeist mit seinem engstirnigen und verschlagenen Repräsentanten Louis-Napoleon bisweilen einen devoten Tribut zu entrichten, um seine Werke überhaupt zur Aufführung zu bringen, waren nur von kurzer Dauer. Seine Passion für antike Sujets, und insbesondere für das schon in der Kindheit entdeckte Werk Vergils, war das Resultat dieses Leidens an der eigenen Zeit. Deren Vorliebe für das große historische Genre indessen teilte er. Nichts konnte ihm in seinem Metier, dem Musiktheater, großformatig genug erscheinen, und am liebsten wollte er »ein Schiff ausrüsten und ein Orchester einschiffen, um am Fuß des Ida-Gebirges einen klingenden Tempel zu errichten«. Als ein solcherart klingendes Schiff präsentiert sich die fünfaktige Grand opéra von der Flucht der überlebenden Trojaner ins blühende Karthago, das sie am tragischen Ende wieder verlassen, um ihren geschichtlichen Auftrag, die Gründung des römischen Weltreichs, zu erfüllen. 
Parallel, in einem dialektischen Wechselbezug zu dieser Historie, vollziehen sich die traurigen und tödlich endenden Schicksale der beiden weiblichen Hauptgestalten. Die zur Zukunftsschau verdammte Trojanerin Cassandre und die von ihrem Geliebten Énée verlassene Königin Didon. Sie zeigen uns, wie die grausame Historie sich in den Seelen ihrer Opfer spiegelt. Les Troyens nimmt sich aus wie das musikalische Pendant zu Tolstois Krieg und Frieden.
Dass das gut vierstündige Werk sich nicht eben häufig auf den Spielplänen zeigt, ist vor allem seinem komplexen Ausmaß zu verdanken: Der gewaltige Orchesterapparat, der nicht minder umfangreiche Chor, nicht zuletzt aber die exorbitanten gesanglichen Herausforderungen der Solisten verhinderten die Aufnahme der Oper in das gängige Repertoire. Berlioz selbst war es aus diesem Grunde nie vergönnt, das Werk vollständig auf der Bühne zu erleben.

LesTroyens / The Trojans
Hector Berlioz 1803-1869
Hector Berlioz viewed the times he lived in with the eyes of a outsider driven by visions for the future. His half-hearted attempts to pay obsequious tribute to a Zeitgeist sworn to progress, expansion and claims of imperial world power, and narrow-minded Louis Napoleon, in order to ensure that his works were performed at all, were short lived. He had a passion for ancient subject matter and the works of Virgil, which he discovered in childhood and whose predilection for great historical genre he shared. Nothing for him, in opera, could be big enough. He wanted to »fit out a ship, set off with an orchestra and build a temple of sound at the foot of mount Ida.« This five act grand opéra – which could be seen as just this sort of ship - about the surviving Trojans fleeing to thriving Carthage, only to have to leave it again in order to fulfill their task, the founding of the Roman Empire and the sad fates of the two lead female figures: the Trojan Cassandra, cursed with the gift of prophesy, and Queen Dido, who was deserted by her beloved Aeneas. Les Troyens is the operatic equivalent of Tolstoy's War and Peace.
The size of orchestra and chorus and demanding nature of the lead roles are the reasons why this 5+ hour evening is not performed more often. Berlioz, sadly, never saw the work, in its entirity, on stage.
Act I The Greeks have abandoned their camp in front of Troy after a ten year siege, leaving behind an enormous horse which the Trojans, besides themselves for joy about their new found freedom, take to be an offering to Pallas Athene. They pay no heed to Cassandra, daughter of Priam, who is horrified by the people's unwariness. She foresees the destruction of Troy, not even her lover Chorèbe will believe her when she begs him to leave the city. Celebrations are interruped by the grieving figure of Hector's widow Adromache. Then Aeneas rushes in, describing the death of the priest Laocoon; mistrustful of the horse he wanted it burned; whereupon two serpents appeared from the sea and devoured him. The Trojans cheer Aeneas' decision to have the horse brought into the city to appease the goddess. Cassandra's warnings fall on deaf ears.
Act II Hector's ghost tells Aeneas that Troy is in flames - the enemy are in the city. Those who still have a chance to flee should rescue Troy's sacred idols, take them to Italy and found a new kingdom. The priest Pantheus brings terrible news: Greeks who were hidden in the horse have opened the gates of the city. Cassandra prophesies that Aeneas will build a new Troy in Italy. She, whose beloved Chorèbe has already been killed, longs only for death. When the Greeks storm in the women cry out »Italy«, and kill themselves.
Act III Dido, Queen of Carthage, and her people celebrate: it is seven years since she, an emigrant, whose husband was murdered, founded the city of Carthage. Dido asks her people and for their support against King Jarbas, who wants to conquer her country. Dido is determined to be true to memories of her dead husband, but is overcome by a strange sense of unease. The poet Iopas announces the arrival of an unidentified fleet, driven to Carthage's shores by a storm. Dido grants the strangers refuge. Aeneas' son, presents her with gifts. Pantheus explains that it is Aeneas' mission to found a new Troy in Italy. Narbal, a minister, hurries in with news that Jarbas and his troops are invading. Aeneas reveals his identity and leads the Trojans and Carthaginians into battle.
Act IV Royal Hunt. Dido and Aeneas take refuge from a storm. Narbal, sensing their love, is worried about the future of his country. Dido's sister Anna is sure thatlove will be victorious over Aeneas' sense of duty. Narbal contradicts her: is it right that Aeneas stay longer in Carthage, putting the queen and people on hold in the expectation of a wedding? Aeneas tells Dido about Andromache, a widow like she, who has finally given her hand in marriage to Pyrrhus, who abducted her from Troy. Dido is unsure: »Everything conspires that I be absolved from the guilt of infidelity.« That night Dido and Aeneas consummate their love. Mercure appears, strikes Aeneas' shield and calls out »Italy« three times.
Act V Pantheus instructs the Trojans to prepare to set sail: the gods are angry about the delay. Aeneas' awareness of his devine mission does battle with his emotions. He resolves to depart; but wants to see Dido once more. The ghosts of Cassandra, Choroebus, Priam and Hector appear. Now nothing that Dido can say can make him stay. When she is brought news of the Trojans departure she curses Aeneas and orders that all objects that might remind her of him be gathered together. Left alone, she decides on death and bids farewell to life. Priests call upon the gods of death and oblivion. After predicting the arrival of a powerful conqueror in Carthage – Hannibal – her avenger, she stabs herself with Aeneas' sword. Her last vision is of eternal Rome. The Carthaginians swear: »War will rage between us far into the distant future. Those not yet born will wreak bloody revenge.«

Oper Frankfurt: Iwan Sussanin – Opera Frankfurt: Iwan Sussanin

Ohne Bilder: ich kann nur sagen, ich werde die Oper wenn sie wieder aufgeführt wird, nochmals hingehen. Die Musik – ein Traum. Die Handlung wurde verlegt in den zweiten Weltkrieg – damit konnten die Bühnenbilder für das Verständnis des Publikums etwas machen.  Without any picture: I can only say, I will visit the opera the next time, when it will be on stage again. The music – a dream. The plot is transferred in the Second World War – therefore the scene designer could do a little bit more for the understanding of the plot – also for us, the audience.

IWAN SUSSANIN

Michail Iwanowitsch Glinka 1804 - 1857
Oper in vier Akten
Iwan Sussanin Michail Iwanowitsch Glinka verlegt den parabolischen Kern der Handlung in die Zeit des Polnisch-Russischen Krieges (1609-1618), der in der Befreiung Moskaus kulminierte. Die gleichwohl zeitlose Fabel lässt sich damit zusammenfassen, dass der Bauer Iwan Sussanin erkennt, dass hinter dem Wohl des Einzelnen auch immer das Wohl des ganzen erstritten werden muss. Es kann kein wirkliches Glück inmitten kollektiven Leids geben. Er führt die feindlichen Besatzer, den eigenen Tod in Kauf nehmend, in die Irre und rettet dadurch das Land. Der tragisch endende Weg des Mannes, sein bewusst geplanter Untergang als Blutzoll für die Befreiung der Unterdrückten, wird flankiert von großen, volksmusikalisch geprägten, metrisch aber hochkomplizierten Chorszenen und melodisch weit ausgreifenden, farbenreichen Kantilene, sinfonischen Zwischenspielen, mannigfaltigen Tanzformen und einer extrem ausgeweiteten Polyphonie.
Nicht selten liegt ein Gleichnis unter der Oberfläche der historischen Erscheinung. Modest Mussorgski hat dies erkannt, als er da 1836 in St. Petersburg entstandene Hauptwerk des tief verehrten romantischen Komponisten Glinka, des »Vaters der russischen Musik« charakterisierte. Als Held dieser ersten russischen Oper, die ohne gesprochene Dialoge auskommt, tritt ein einfacher Mann vom Lande auf den Plan, der selbst eine Legende ist. Er verkörpert ein Ideal, das sich als Werk der Notwendigkeit offenbart. Ein solches Ideal in der Tonsprache zu realisieren, war Glinkas Ziel. Zugrunde legte er dafür jenen später auch von Tolstoi immer wieder gestalteten Wechselbezug zwischen dem Einzelnen und dem Ganzen: »Es schafft das Volk die Musik, wir Musiker arrangieren sie nur. 

IWAN SUSSANIN

Michail Iwanowitsch Glinka 1804 - 1857
Opera in 4 acts and an epilogue
About the work

Glinka set this parable at the time of the Polish-Russian war (1609-1618), which culminated in the liberation of Moscow, to music. A farmer, Iwan Sussanin, realising that the wellbeing of the whole is more important than the wellbeing of an individual, and that no individual can be truly happy amidst general suffering, risks his life by misleading the enemy, and saves his country. The consciously planned, tragic end of the man's life, sacrificed to free the oppressed, is accompanied by wonderful folk music influenced, highly complicated chorus scenes, richly coloured rich cantilena, symphonic interludes and dance.
A parable often lies beneath the surface of an historical phenomenen. Modest Mussorgsky realised this when he described the main work of the deeply revered romantic composer Glinka, the »father of Russian music«, which was composed in St. Petersburg in 1836. The hero in this first Russian opera, which has no spoken dialogue, is a simple man from the countryside, a legend embodying an ideal, whose fate it is to carry out a »work of necessity«. Glinka wanted to reproduce this ideal in music. The interrelation of the individual with the whole, something taken up later on by Tolstoy, underpins everthing: »The people create the music, we musicians only arrange it.«

Synopsis
Moscow is about to be taken by enemy forces. In a village outside the city Antonida, daughter of the farmer Iwan Sussanin, longs to see her beloved Sobinin again. He returns from the front with good news: the Russian troups were able to hold their own against the enemy. Sobinin is the new leader of the partisans. When he asks Sussanin for Antonida's hand, her anxious father consents with great reluctance because it does not feel right to celebrate a wedding when the situation in Russia is so unsettled. Act 2 Occupied Warsaw. The enemy are celebrating their apparent victory over Moscow. But news soon reaches them that the taking of the city has failed. Refusing to tolerate such a military and economic defeat, they prepare to attack again. Act 3 Wanja, Iwan Sussanin's foster son, dreams of joining the battle, but he is too young. When Sussanin tells him about their new leader the young man longs to serve him. During Sobinin's absence the enemy force their way into Sussanin's house. They threaten to kill him if he refuses to lead them to the secret place where the new leader is hidden. Sussanin secretly sends Wanja off to warn the leader. Sussanin, pretending to accept a bribe, leads the enemy into the woods. Antonida is left behind, desperate. When Sobinin returns and finds out what has happened, he sets off immediately with his men. Act 4 Wanja reaches the leader's camp and wakes everyone up. They set out to march against the enemy. Meanwhile, Sussanin has led the enemy deep into the woods. The men fall asleep exhausted. Sussanin knows that his country has been saved because the enemy will never find their way out of the woods, but also that he will pay for this with his life. At dawn, when he admits having led them astray, they kill him. EPILOGUE The Russian people celebrate the liberation of their country and victory over the enemy. They laud and honour Iwan Sussanin's heroic deed.

Oper Frankfurt : Figaros Hochzeit - Opera Frankfurt: Le nozze de figaro

 

Ein Tourist am Willy-Brandt-Platz vor mir zu seiner Frau: ‚Die Oper Frankfurt gehört zu den Weltbesten‘. Das sagt wohl alles aus. Obwohl, diesmal war es etwas zu lang – lag aber am Komponisten.

A tourist at Willy-Brandt-Place saying to his wife: ’the opera Frankfurt is one of the best in the world.’ This says it all. Although this time it was a little bit too long – this time due to the composer.  

 DIE HOCHZEIT DES FIGARO (Le nozze di Figaro)
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Oper in 4 Akten
Text von Lorenzo Da Ponte nach Pierre Augustin Caron de Beaumarchais
Uraufführung am 1. Mai 1786, Burgtheater, Wien
zum Werk
Beaumarchais Erfolgskomödie Der tolle Tag bot glänzende Voraussetzungen für die erste Zusammenarbeit zwischen Mozart und Da Ponte. Theaterwirksame Situationen und Charaktere wurden übernommen, der politische Sensationswert blieb erhalten. Im Mittelpunkt des Geschehens steht der bereits aus dem Barbier von Sevilla bekannte und beliebte Figaro. In Mozarts Fortsetzung gilt es erneut, Hindernisse zu überwinden, bis die richtigen Paare vereint werden. Die geplante Heirat von Susanna und Figaro wird durch den von amourösen Absichten angespornten Grafen Almaviva gestört. Da dieser ursprünglich auf das ius primae noctis verzichten musste, versucht er auf andere Weise, Susanna gefügig zu machen, während Figaro und seine Braut der schmählich vernachlässigten Gräfin beistehen. Ein entworfener Racheplan soll den abtrünnigen Gatten zur Reue zwingen. Der verliebte Page Cherubino, die heiratswillige Marcellina, verschlossene Türen, fingierte Briefchen und Verkleidungsszenen sorgen für eine turbulente und kurzweilige Handlung, die diesem Klassiker einen zeitlosen Unterhaltungswert sichert.

DIE HOCHZEIT DES FIGARO -The Marriage of Figaro
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Opera in four acts
Text by Lorenzo Da Ponte after Pierre Augustin Caron de Beaumarchais
First performed May 1st 1786, Burgtheater Vienna

A mad day in Count Almaviva’s castle: preparations for Figaro and Susanna’s wedding begin in the morning but a faked letter, people pretending they are going away, forcing doors open, jumping out of windows and dressing up as one another mean that the pair have to wait until the next break of dawn before they are united. The count, thinking he is about to, at long last, enjoy a bit of hanky-panky with Susanna, finds himself back in the arms of none other than his wife. The rest of the day is filled with desperate attempts to prevent the wedding taking place and equally determined efforts to ensure that it does. The opera was based on Beaumarchais' sociocritical comedy – aimed to show up the "Vice, abuse and capriciousness carried out under the masks of the ruling classes". Whilst adapting this »delicate« subject, which turned out to be one of the harbingers of the French revolution, Mozart and Lorenzo Da Ponte managed to communicate the swings between serious and amusing scenes. Fine portraits of characters come to life and there is real situation comedy during the intrigue filled story. It was the refreshing liberality of the figures as well as politically explosive texts that lent the French original a scandalous aura. The real fun in Mozart’s comedy comes from the impudence of the retainers and their lack of respect for their masters. Despite all the turmoil during a completely crazy day everything turns out all right in the end.

Oper Frankfurt im Bockenheimer Depot: 3 Einakter - Opera Frankfurt in Bockenheimer Depot: Three One Act Operas

Derzeit sind wir viel unterwegs – Urlaub, Gartenmärkte, Gartenbesuche, Kurse etc.  Nach Hause kommen wir meist, wenn Oper oder Ausstellung in Frankfurt ansteht.
So auch diesmal, die Vorstellung im Bockenheimer Depot. Wir haben ganz spießbürgerlich ein Abonnement, aber ohne dieses würde uns einiges entgehen. So auch diesmal.
At the moment we are a lot out and about – holiday, garden markets, visiting gardens, workshops and so on. We are coming home only, when there is an opera or an exhibition in Frankfurt.
So also this time, a performance in the Bockenheimer Depot. We have – total bourgeois - a subscription, but without we would let something slip. So also this time. 

DREI EINAKTER  von Bohuslav Martinů (1890 – 1959)
MESSERTRÄNEN
Oper in einem Akt. Text von Georges Ribemont-Dessaignes. Uraufführung am 22. Oktober 1969, Staatstheater, Brünn
ZWEIMAL ALEXANDER
Komische Oper in einem Akt. Text von André Wurmser. Uraufführung am 10. Februar 1964, Nationaltheater, Mannheim
KOMÖDIE AUF DER BRÜCKE
Komische Funkoper in einem Akt.
Text vom Komponisten nach einer Vorlage von Václav Kliment Klicpera. Uraufführung am 18. März 1937 durch den Prager Rundfunk.

 

zum Werk

Im Alter von 45 Jahren schrieb Bohuslav Martinů über sich selbst: »Ich war nie ein Avantgardist.« Und doch zählt er zu den innovativen Komponisten des 20. Jahrhunderts. Sein breites und vielfältiges Schaffen spiegelt unterschiedlichste musikalische Einflüsse wider. In den 1920er Jahren siedelte der gebürtige Tscheche nach Paris über, von wo aus sich seine Anerkennung als Komponist international verbreitete. Die Werke, die in den folgenden Jahren entstanden, greifen die zeitgenössischen Strömungen der französischen Hauptstadt auf – von der Komponistengruppe Les Six und dem Neoklassizismus über Igor Strawinsky bis hin zum Jazz. Zu diesen Kompositionen zählen auch die drei Einakter Messertränen (1928), Komödie auf der Brücke (1935) und Zweimal Alexander (1937). Die erste Oper stieß auf Ablehnung mit ihrer grotesken Handlung vom Mädchen Eleonora, das sich in einen Erhängten verliebt, diesen mit einem vorbeikommenden Radfahrer eifersüchtig machen will und schließlich – zum Selbstmord bereit – erkennt, dass es sich bei dem endlich erwachenden Geliebten um den Satan selbst handelt. Das exzentrische Libretto stammt aus der Feder des dadaistischen Dichters Georges Ribemont-Dessaignes. Uraufgeführt wurden die Messertränen erst 1969 – sieben Jahre nach Martinůs Tod – in Brünn. Die Funkoper Komödie auf der Brücke, eine der ersten ihrer Art, die allerdings bereits 1948 erstmals szenisch aufgeführt wurde, beweist Martinůs Gespür für die Bedeutung und das Bewusstsein über die neuen Möglichkeiten technischer Innovationen wie etwa der aufkommenden Massenmedien. Ein musikgeschichtliches Zitat hingegen stellt die komische Oper Zweimal Alexander mit ihrem in der Musiktheater-Geschichte tief verwurzelten Sujet der Treue-Probe und verschiedensten tradierten musikalischen Formen dar, die sich in einem surrealen Geflecht von Traum und Wirklichkeit entfalten. Auch die Uraufführung dieser Oper »überlebte« Bohuslav Martinů um fünf Jahre.

DREIEINAKTER (Three One Act Operas)  from Bohuslav Martinu (1890 - 1959
Messertränen (A Knife's Tears)
Opera in one act
Libretto by Georges Ribemont-Dessaignes
First performed October 22nd 1969, Staatstheater, Brno

Zweimal Alexander (Twice Alexander)
Comic one act opera
Libretto by André Wurmser
First performed February 10th 1964, Nationaltheater, Mannheim
Komödie auf der Brücke (Comedy on the Bridge)
Comic one act opera written for radio
Libretto by the composer after a piece by Václav Kliment Klicpera
First performed March 18th 1937, on Prague Radio

When Bohuslav Martinů was 45 he wrote: »I was never an avant gardist.« But he was one of the 20th century's most innovative composers, whose broad and varied output mirrored diverse musical influences. He moved to Paris in the 1920s and his reputation as a composer soon spread. The works which subsequently came into being were influenced by trends in the French capital at that time – the group of composers Les Six, neoclassicism, Igor Stravinsky and jazz. His »Paris« compositions include three one act operas Tränen des Messers/A Knife's Tears (1928), Komödie auf der Brücke/Comedy on the Bridge (1935) and Zweimal Alexander/Twice Alexander (1937).
The first was met with disapproval because of it's grotesque story about a girl called Eleonora who falls in love with a hanged man, tries to make him jealous with a passing cyclist but then realises that the dead man, waking at last, is the devil. The excentric libretto was written by the Dadaist poet Georges Ribemont Dessaignes. A Knife's Tears was not performed for the first time until 1969 – seven years after Martinů's death – in Brno. His Comedy on the Bridge is every bit as absurd. An opera for radio, one of the first of its kind, staged for the first time in 1948, proves Martinů's nose for new possibilities made possible by technical innovations - the emerging mass media. A Musical quote is introduced in the comic opera Twice Alexander, with a popular theme in opera – putting fidelity to the test. This, combined with different forms of music develops into a surreal tangle of dream and reality. The first performance of this opera »outlived« Bohuslav Martinů too, by five years.

Synopsis
Messertränen Eleonore is infatuated with a hanged man. Her mother would prefer handsome Satan as a son-in-law. Eleonore tries to make her beloved jealous by flirting with a cyclist who, it soon becomes clear, is Satan, who makes eyes at both mother and daughter. Eleonore, overcome, faints. While the mother frets over her daughter, the hanged man comes to life. Eleonore, conscious again, enjoys his tender caresses. But he too turns out to be Satan, who leaves the distraught women saying: »I am, I was and always will be – the other one!« Zweimal Alexander Alexandre intends to put his wife Armande's fidelity to the test. Their maid Philomène and a portrait of the head of the household are sure that she will remain steadfast. Alexandre disguises himself as his cousin from Texas, which thoroughly disconcerts Armande. Alexandre wants to explain the farce, but Armande insists on kissing the cousin from Texas, and not her husband. Night closes in. Armande begins dreaming: visited by the goddess of marriage and her demons. Next day everything in the »Armande / Alexandre« household seems normal. But something has changed… Komödie auf der Brücke A bridge in the middle of a war: the guards on both sides won't let anybody who sets foot on the bridge leave it. Popelka and farmer Bedroň are stuck. They are joined by Popelka's fiancé Sykoš, who sees them kissing. He accuses Popelka of being unfaithful. Bedroň's wife comes running up, reproaching her husband and asking where he has been. The schoolmaster appears. All four ask him to resolve the situation. He, however, is obsessed with trying to find the solution to a riddle posed to him by officer Ladinsky: »How can a deer, surrounded by a high wall without any gaps in it, escape from his prison?« The sounds of fighting are getting louder, the battle is getting closer. Cries of victory proclaim the end of the war. Officer Ladinsky approaches. He clears up the situation between the two couples and knows the answer to the riddle: »The deer cannot escape!«

 Dazwischen wird auch was im Garten getan. Einiges  wird auch ohne unser Zutun– wie zum Beispiel der Kaktus, der auf Sommerfrische ist. Leider haben wir dieses Jahr eine Menge Sauerkirschen  - ist wohl die Sonne dafür verantwortlich.
In the meantime we also work something in our garden. But something will grow without our help – as for instance the cactus, which is on summer holiday. Unfortunately this year we have a lot of sour cherries – the sun may be responsible for this. 

Oper Frankfurt : La Cenerentola - Opera Frankfurt: La Cenerentola

Auch diesmal ohne (viel) Worte. Die Oper ist kurzweilig. Nur zum Schluß hat sie sich etwas gezogen. Sehenswert.

LA CENERENTOLA (Aschenbrödel)

Gioacchino Rossini
1792 - 1868
zum Werk

Wie ein Traumspiel am seidenen Faden entwickelt sich die Handlung der wohl berühmtesten msikalischen Adaptation des Aschenbrödel-Märchens. Die freie Übertragung des Märchens von Charles Perrault, die ein Jahr nach Il barbiere di Siviglia uraufgeführt wurde, ersetzt die böse Stiefmutter durch einen ehrgeizigen aber einfältigen Stiefvater, die gute Fee durch den Philosophen Alidoro, Lehrer des Prinzen Don Ramiro und den auf dem fest verlorenen Schuh durch ein Armband, das als Pfand dient. Rossinis und Ferrettis La Cenerentola greift auf verschiedenartige Vorlagen des Aschenbrödel-Stoffes zurück, wobei schon der Untertitel des Librettos Der Triumph der Tugend auf die Tradition des bürgerlichen Rührstücks verweist. Sie erzählt die Geschichte von Angelina (genannt Cenerentola), der Stieftochter Don Magnificos, die von ihren Schwestern Clorinda und Tisbe als Dienerin behandelt wird, bevor Prinz Don Ramiro schließlich um ihre Hand anhält. Er befreit sie damit von ihrem elenden Schicksal, das sie bis dahin in ihrem immer wiederkehrenden Lied besungen hatte: »Una volta c’era un re« – »Es war einmal ein König«. La Ceneretola nimmt in Rossinis Schaffen eine besondere Stellung ein: Sie verbindet die Motorik und den Feuerwerkscharakter der Musik mit virtuos konstruierten Momentaufnahmen der Hauptfiguren, wodurch das Märchen in seiner Adaptation mit feinen musikalischen Mitteln und liebenswürdigen Details erzählt wird. Mit all ihren Begierden, Tugenden, Schwächen und Sehnsüchten stellt Rossini die Figuren dar und führt sie in schwindelerregenden Ensembles zusammen. Keith Warners Ceneretola-Inszenierung wurde sowohl von der Presse als auch vom Publikum begeistert aufgenommen: Seine Interpretation vermittelt Rossinis Humor und musikalisch-dramaturgischen Tiefsinn auf höchstem szenischen Niveau.

Also this time without (many) words.  The opera is quite entertaining. Only in the end it was a little bit too long. But worth seeing.

LA CENERENTOLA (Cinderella)

Gioacchino Rossini
1792 - 1868
About the Piece

The story unfolds like a dream on silken threads. Charles Perrault's free adaptation of the fairy tale, first performed only a year after the world premiere of Il barbiere di Siviglia, replaces the evil stepmother with an ambitious but simple father, the good fairy with Alidoro, a magician and Prince Ramiro's teacher, and the shoe lost at midnight with a bracelet. Rossini's and Ferretti's La Cenerentola is based on various versions of the Cinderella story. Keith Warner's production was praised by press and public when it first opened: his interpretation conveys Rossini's humour and dramaturgical profundity at the highest possible level.

Synopsis

Don Magnifico's daughters, Clorinda and Tisbe, treat their step-sister, Angelina (La Cenerentola), like dirt. Ramiro, a young Prince, is looking for a wife. His teacher, the magician Alidoro, wants to help him. Alidoro, in disguise, is treated rudely by the hard-hearted sisters. Angelina greets him warmly. Courtiers deliver an invitation to a ball. The Prince, disguised as his valet Dandini, calls at the house. He and Angelina are immediately drawn to each other. Dandini, disguised as Ramiro, is amused to watch Magnifico and his daughters grovel. Angelina begs her father to allow her to go to the ball, but he refuses. Alidoro sees from his register that Magnifico has three daughters and asks where the third one is. Magnifico says that she died. When the others have left, Alidoro gives Angelina a gown and matching bracelets.... The courtiers make fun of Magnifico. Clorinda and Tisbe try to attract the Prince’s attention. A veiled, mysterious Beauty enters. Her resemblance to Angelina astonishes her family. The supposed Prince tries to woo the woman but she tells him that she loves his valet. Ramiro, eavesdropping, proposes to her immediately. Alidoro intervenes: Ramiro should see Angelina in her true guise. Angelina gives Ramiro one of her bracelets, and leaves. The Prince and valet resume their true identities. Alidoro conjures up a thunderstorm. The Prince seeks refuge in Magnifico's house. Ramiro recognizes the bracelet on Angelina’s wrist and proposes again. Angelina forgives her father and step-sisters.

 

Oper Frankfurt : Rusalka - Opera Frankfurt: Rusalka

Ohne viele Worte, wir leben noch – zuerst Krankheit und dann viele Tagesfahrten und einige Reisen.
Aber wir haben die Oper ‚Rusalka‘ genossen.

RUSALKA
Antonin Dvorak 1841 - 1904
Lyrisches Märchen in drei Akten
Text von Jaroslav Kvapil nach der Erzählung Undine (1811) von Friedrich de la Motte Fouqué, dem Märchen Die kleine Meerjungfrau von Hans Christian Andersen und dem deutschen Märchendrama Die versunkene Glocke von Gerhart Hauptmann
In tschechischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Übernahme einer Produktion der Opéra national de Lorraine
Zum Werk

Allen Warnungen trotzt die Nixe Rusalka, als sie, Tochter des Wassermanns, sich unter die Menschen begibt. Ihre Menschwerdung bedeutet den endgültigen Verlust ihrer Heimat und ihres Elements, des Wassers – Reservoir aller Selbstauflösung und Ichlosigkeit. Ihr geliebter Prinz will sie zur Braut, doch noch vor der Hochzeit ist es eine fremde Fürstin, die sein wechselhaftes Begehren weckt. Nur durch Blutrache an ihm könnte Rusalka in ihr vorheriges Dasein zurückkehren, aber auch ihr Verzicht kann den Geliebten nicht retten. Als Irrlicht findet der reumütige Prinz sie wieder und erfleht von ihr den Kuss, der seinen Tod bedeutet.
Regisseur und Bühnenbildner Jim Lucassen zeigt Dvoraks Märchenoper in einem Naturkundemuseum, einem paradigmatischen Raum der Begegnung zwischen den Zeiten und Welten. Rusalkas Heimat, für die menschlichen Besucher zum Standbild erstarrt, erwacht nachts zum Leben. Doch ihre Grenzüberschreitung in die feindselige Zivilisation am Hof des Prinzen offenbart der Wasserfrau eine skelettierte und verdorrte Natur. Durch seine klare und einfühlsame Bildsprache gelang Lucassen eine Bühneninterpretation, die anlässlich der Premiere in Nancy 2010 und der Wiederaufnahme in Montpellier 2011 gleichermaßen hohes Lob erhielt. In seiner Inszenierung ist dieses Werk, das ein Herzstück des tschechischen Opernrepertoires bildet, zum ersten Mal seit 24 Jahren wieder in Frankfurt zu erleben.

Without many words, we are still living – first we were ill and then a lot of day trips and some journeys.

But we enjoyed the opera ‘Rusalka’.  

RUSALKA Antonin Dvorak 1841 - 1904 Lyric Fairy Tale in three acts Libretto by Jaroslav Kvapil based on: Udine, by Friedrich de la Motte Fougué, The Little Mermaid by Hans Christian Andersen and The Sunken Bell by Gerhart Hauptmann A production from the Opéra national de Lorraine Sung in Czech with German surtitles About the piece

Director and Stage Designer Jim Lucassen set Dvořák’s fairy tale opera in a national history museum, a paradigmatic space where different worlds and times converge. Rusalka’s home, an inanimate exhibit during the day, comes to life at night. When the water nymph enters the hostile civilisation at the Prince’s court she finds that only a withered skeleton of nature has survived. Lucassen’s clear and sensitive production was highly praised when it was first performed in Nancy in 2010 and revived in Montpellier in 2011. The first performances of this production, in September 2013, were the first time that this important Czech opera had been performed in Frankfurt for 24 years. Although Antonìn Dvořák wrote 10 operas the only one that enjoyed lasting success was Rusalka. One of the reasons was that this time he had a really first class libretto to work on, written by the author Jaroslav Kvapil. Kvapil wove European versions of old sagas about water nymphs and sprites into the Slavonic myth of the Rusalki and the Water Sprite, a well known figure in Czechoslovakia. Dvořák made hardly any changes to the libretto when setting it to music. His love of nature, in which he imersed himself whenever possible at his holiday home in the countryside outside Prague, is evident throughout the score.

Synopsis

Rusalka, a water nymph, falls in love with a prince. Her father warns her about the human world but she is so determined that he tells her she must talk to Jezibaba, a witch. Jezibaba mocks Rusalka and warns her that if she loses the Prince's love she will be doomed for eternity, and so will he. Jezibaba gives her human legs but makes it impossible for her to speak in human company. The Prince meets Rusalka, and falls in love. Preparations are put in motion for their wedding. His subjects are suspicious of his strange intended bride. The Prince reproaches Rusalka for her lack of passion. He then proves easy prey for a warm blooded, flirty foreign Princess. Rusalka tries to win him back, but he rejects her. Hopeless and dejected, Rusalka returns to her place of origin. Jezibaba tells her that the only way she can regain her former existence is by killing the Prince. She, of course, cannot bring herself to do this and so is fated to wander, forever, between the worlds as a will-o'-the-wisp. The Prince, full of remorse, eventually finds her again but the kiss he begs her to give him kills him. Rusalka asks God to take pity on his soul.

 

Oper Frankfurt ‚DIE ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL‘– Opera Frankfurt ‚The Abduction from the Seraglio‘

Ich kann nur schreiben: schön, kurzweilig, sehenswert.
I can only say: lovely, entertaining, interesting.

DIE ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL

Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791
Singspiel in drei Aufzügen, Text von Johann Gottlieb Stephanie d. J.
zum Werk

Die zu Mozarts Lebzeiten am häufigsten gespielte und erfolgreichste Oper? Die Entführung aus dem Serail. Noch mitten in der Komposition hatte sich Mozart mit seinem Salzburger Arbeitgeber, dem Erzbischof Hieronymus von Colloredo zerstritten und die Heimatstadt schließlich nach etlichen Auseinandersetzungen verlassen. In Wien erfüllte sich sein berufliches Ziel, die Hoffnung als Hofkomponist zu reüssieren, nicht, stattdessen heiratet er Konstanze Weber und arbeitet weiter an seiner Entführung. Dem modischen Zeitgeist folgend, ahmt Mozart musikalisch „türkische Musik“ nach, bzw. das, was er sich darunter vorstellte. Die Erinnerung an den sogenannten Türkenkrieg hundert Jahre zuvor war noch lebendig – so entstand neben einer dreiteiligen Ouvertüre, deren Anfangs- und Schlussteile „türkisch“ klingen, eine modisch „orientalische Oper“.

DIE ENTFÜHRUNG AUS DEMSERAIL (The Abduction from the Seraglio)
Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791
Opera in three acts, Libretto by Johann Gottlieb Stephanie the Younger
About the Piece

Which was the most performed and successful of Mozart's operas during his lifetime? Die Entführung aus dem Serail. While composing the work, Mozart's arguments with his employer in Salzburg, Archbishop Hieronymus von Colloredo, led him to pack his bags and leave his city of birth. His dream of working at court in Vienna come to nothing, but he found love, married Konstanze Weber and continued work on his Entführung. In tune with the spirit of the times, Mozart imitated »Turkish music«, or how he imagined such music might sound. Memories of the so called Turkish war a hundred years earlier were still fresh – so came into being a three part overture whose beginning and end sections sound »Turkish«, a fashionable »oriental opera«.

Synopsis
Belmonte, a young Spanish nobleman, wants to free his bride Konstanze, her maid Blonde and his servant Pedrillo, who, after falling into the hand of pirates during a voyage, are being held against their will in the harem of Bassa Selim’s palace in Turkey. Belmonte does not manage to get past the steward Osmin until he meets Pedrillo, who passes Belmonte off as an achitect to get him into the building. Since their arrival Konstanze has held firm against Bassa’s threats and pleading for her love and Blonde has not given in to Osmin’s attemps at seduction. Pedrillo gets Osmin drunk so that their attempt at escape can succeed. When the the two pairs of lovers finally meet up again it seems that the escape might have to be postponed because of the men’s doubts about the women’s faithfulness - but they soon make up. Their escape is thwarted at the last moment. They are tied up and taken before Bassa, where it transpires that Belmonte is the son of Bassa’s deadly enemy. Seeing no way out of the situation Konstanze says that she would prefer to die with her lover. Instead of taking revenge Bassa grants his prisoners freedom, much to Osmin’s displeasure.

 
 

Oper Frankfurt: Falstaff – opera Frankfurt: Falstaff

Aufgrund des Urlaubs haben wir nur den Termin getauscht. Diesmal gibt es kein Bild der Baustelle. Wie ich bereits geschrieben habe, diese ist beendet und eine neue ist nicht zu sehen.
This time we changed the date because of our holidays. Today there are no pictures of the building site. As I wrote before, it is finished and there is no new one on the horizon.
Die Oper war für mich am Anfang musikalisch etwas gewöhnungsbedürftig. Gar nicht, wie man sonst von Verdi gewohnt ist. Aber am Schluß war sie wieder sehr schön. Vor allem Kurzweilig.
The stage was - for me – at the beginning it needs a little time to get used to the music.  Not at all as you are used from Verdi. But at the end, it was beautiful. Above all it was entertaining.

Hier die Beschreibung mit dem Link.

FALSTAFF
Giuseppe Verdi
1813 - 1901
Commedia lirica in drei Akten
In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Zum Werk

Ein aus finanzieller Not liebestoller Ritter, zwei identisch lautende Briefe, an zwei unterschiedliche Damen gerichtet, ein Racheplan, ein Wäschekorb, Waldelfen und Geister sowie zwei junge Liebende, die schließlich miteinander vermählt werden – das sind die Ingredienzien, aus denen Verdi und sein Librettist Boito eine gelungene Komödie zu schmieden wussten. Als Vorlage diente nicht nur der Komödienstoff, sondern auch die Figur des Ritters aus Shakespeares Historien: Der genussfreudige und bodenständige Sir John Falstaff, der dem jungen Prinzen Hal zu demonstrieren weiß, dass Ehre nur ein Begriff ist und mitnichten den Verlust auch nur einer Gliedmaße rechtfertigt. Einzigartig kleidet Verdi den sich und seiner Lebensphilosophie stets treu bleibenden dicken Ritter und die Bürger von Windsor musikalisch ein: Ein selbstironischer Zitatenschatz, der kommentierende, illustrierende und eigenständig agierenden Orchesterapparat, augenzwinkernde Onomatopoesie sowie der alles in sich aufnehmende »Triller« sind Zeugnisse von sprühendem Witz des dahinterstehenden schöpferischen Geistes. Verdi nimmt nichts mehr ernst. In jedem Takt scheint das abschließende Motto der Schlussfuge zu stecken: »alles auf der Welt ist Scherz!« Die umjubelte Inszenierung des Shakespeare-Experten Keith Warner legt einerseits feine Nuancen der Komik frei und versteht es andererseits, durch kluge Referenz auf das dramatische Werk des Theaterpraktikers zu begeistern.

Here the description with the Link. 

FALSTAFF
Giuseppe Verdi
1813 - 1901
Commedia lirica in three acts
About the piece

»God the Almighty is the creator of the sun, but man created the barrel«, wrote François Rabelais a good half a century before Shakespeare’s fat knight Sir John Falstaff. We have this French poet, who believed a smile was the best remedy for all ailments, to thank for the hedonistic type of good-for-nothings and boozers. But Falstaff, whose soul lives in the kitchen and passion in Venus’s lap, is not just a figure of fun. »I have not written opera buffa, I have portrayed a type of person«, said Verdi. Unfortunately the bourgeois community in Windsor did not appreciate this type at all and played mean tricks on the anti-social fatso. Nothing has changed: he who cannot enjoy consumption himself keeps an eye on it. But he who laughs last, laughs longest, as Falstaff shows us in the most famous fugue in operatic history. In the language of social philosophy today, the ideal of a society communicating perfectly in a humane world emerges at the end of Verdi’s last opera.
    The ensembles in Verdi’s commedia lirica are masterpieces, their metre and melodic motifs taken directly from the characters’ words. The orchestra joins in telling the story, playing a sometimes cynical, jolly game, with sighs, cheers and screams. It also fades away, along with the fatso’s dampened down fantasies when he is hungry, depicted by one cello and piccolo, to almost nothing. Identical love letters written to two wealthy women, plans of revenge, a dirty linen basket, wood elves, spirits and two young lovers are the ingredients in Verdi and Boito's successful comedy based on Shakespeare's comedy The Merry Wives of Windsor. Pleasure loving Sir John Falstaff maintains that honour is only a concept, and one that by no means justifies the loss of a limb. The ensembles in Verdi’s commedia lirica are masterpieces, their metre and melodic motifs taken directly from the characters’ words. The score turns the orchestra into a commentator and illustrator - it's eye winking onomato-poetry plays witness to the sparkling wit of the creative soul behind it all. There is only one aria in Falstaff. Verdi doesn't take anything seriously any more. It feels as if the closing motto in the final fugue is hiding in every bar: everything in the world is a joke! This extremely successful production was directed by Shakespeare expert Keith Warner who understands the fine nuances needed for comedy.

Synopsis

Falstaff and his henchmen Bardolfo and Pistola live at other people's expense in the »Garter's Inn«. Dr Cajus blames Bardolfo and Pistola for getting him drunk and robbing him. Falstaff, hard up. plans to seduce Alice Ford and Meg Page and get his hands on their rich husbands' money. Alice and Meg receive identical love letters from him. They intend to turn the tables with help from Nannetta, Alice's daughter and Mistress Quickly. Bardolfo and Pistola, finding Falstaff's duplicity dishonourable, tell Ford about Falstaff's plot. Quickly gives Falstaff Alice's invitation to call on her that afternoon. Signor Fontana (Ford) arrivies, claiming to be in love with Alice and asking Falstaff to seduce her. If her virtue is conquered once then.... Ford flies into a jealous rage when Falstaff tells him that he already has a date with Alice. Falstaff's wooing of Alice is interrupted by Quickly announcing the arrival of Meg who warns that Ford is hurrying home. The joke falls flat: Ford really does appear hunting for his rival, who hides in the dirty linen... Quickly talks Falstaff into a second meeting with Alice – at midnight, with him disguised as the „Black Huntsman“. Alice prepares the forthcoming masquerade. Nannetta, the Fairy Queen, leads the spirits who mock and torment Falstaff, who repents before seeing through the masquerade. Ford is about to marry Cajus to the veiled Queen of the Fairies when Alice asks him to marry another couple as well. Cajus kisses his bride - Bardolfo in disguise - and Ford has to give his blessing to his daughter and Fenton.

Oper ‘Romeo und Julia auf dem Lande’ – opera ‚A village Romeo and Juliet’

 

Ist wahrscheinlich Liebe, wenn der Wiesenmanager trotz des WM-Spieles Frankreich – Deutschland mit in die Oper geht. Dabei hat es ihm nicht einmal gefallen. Zu oft wurde die Bühne gedreht – ich fand das toll, die Musik war langweilig – ich fand sie romantisch.

Beschreibung der Oper Frankfurt

Frederick Delius
1862 - 1934
Lyrisches Drama in sechs Bildern
Text vom Komponisten, Jelka Rosen-Delius und Charles Francis Keary nach der Novelle Romeo und Julia auf dem Dorfe (1855) aus Die Leute von Seldwyla von Gottfried Keller
Englische Übersetzung von Tom Hammond
Uraufführung der englischen Fassung am 22. Februar, 1910 Covent Garden, London
Frankfurter Erstaufführung
In englischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Zum Werk

Am 3. September 1847 las Gottfried Keller in der Zürcher Zeitung folgende Meldung: "Im Dorfe Altsellerhausen, bei Leipzig, liebten sich ein Jüngling von 19 Jahren und ein Mädchen von 17 Jahren, beide Kinder armer Leute, die in tödlicher Feindschaft lebten und in eine Vereinigung des Paares nicht billigen wollten. Am 15. August begaben sich die Verliebten in eine Wirtschaft und tanzten dort bis nachts ein Uhr. Am Morgen fand man die Leichen auf dem Felde liegen; sie hatten sich durch den Kopf geschossen." Aus diesem Material schöpfte der Schweizer Dichter seinen Stoff, der bei ihm auf einem mit Heu beladenen Lastschiff endet. "Hier ist dein Brautbett", ruft Sali seinem Vrenchen zu, wohl wissend, dass diese Ehe nicht auf Erden ihr Glück finden kann. Es ist, so Keller, eine der alten, tief im Menschenleben wurzelnden Fabeln: "Stets treten sie in neuem Gewande wieder in die Erscheinung und zwingen alsdann die Hand, sie festzuhalten."
Eine Wiederentdeckung des Komponisten Frederick Delius verspricht viel. Sein Opernwerk in Deutschland, nach der Jahrhundertwende erstmals entdeckt, inzwischen nahezu vergessen, steht am Kreuzungspunkt von Spätromantik und Moderne. Die Anklänge seiner Dorfoper an Wagners Tristan und Isolde sind so offensichtlich wie der Impressionismus der großen, melodischen Bögen. A Village Romeo and Juliet trägt den Charakter einer großformatigen Orchesterrhapsodie, die immer wieder durchbrochen wird von jähen, bereits expressionistisch anmutenden Ausbrüchen und Schrecksekunden. Musik überhaupt, sagte Delius einmal, sei für ihn nichts anderes als ein "Aufschrei der Seele".

It must be love when the meadow-manager was going with the gardener in the opera despite the WM-game France – Germany. Anyway he didn’t like it. There was so much action with the revolving stage  – I thought it was gorgeous, the music was boring – I found it was romantic.

Description Opera Frankfurt

ROMEO UND JULIA AUF DEM DORFE
(A Village Romeo and Juliet)
Frederick Delius
1862 - 1934
Lyric Drama in six scenes
Libretto by the composer, Jelka Rosen-Delius and Charles Francis Keary after the novel Romeo und Julia auf dem Dorfe (1855) from Die Leute von Seldwyla/The People from Seldwyla by Gottfried Keller
World premiere: February 22nd 1910, Covent Garden, London
First ever performance in Frankfurt
Sung in English with German surtitles

About the piece

Gottfried Keller read the following news item in the Zürcher Zeitung on September 3rd 1847: »In the village of Altsellerhausen, near Leipzig, lived a young man of 19 and a girl of 17, both members of poor families which, because they were deadly enemies, refused to allow them to see each other. On August 15th the two young lovers met in a bar, where they danced until the early hours. The next morning their bodies were found in a field; they had shot themselves in the head.« This inspired him to write the story, which ends with Sali showing Vrenchen a barge laden with hay saying »Here is your bridal bed«, knowing only too well that they are not destined to find happiness on earth. It is, said Keller, one of the ancient, deep rooted hideous sides to human nature: »which surfaces again and again in new clothes, refusing to be let go of.«
Frederick Delius’ operas, discovered for the first time in Germany after the turn of the last century and almost completely forgotten today, were composed at a time when late romantic and modern music crossed paths. A Village Romeo and Juliet is like an enormous orchestral rhapsody that is constantly interrupted by sudden expressionistic outbursts and shocking moments. Music is, said Delius, a »cry from the soul«.

Synopsis

Fallow land divides fields belonging to two farmers, Marti und Manz. They both secretly try to take a bit more for themselves. The dark fiddler lost his rightful claim to the land because he is a bastard. He allows Sali and Vreli, the farmers' children, to play there. The farmers accuse each other of stealing land. They argue bitterly and tell their children never to speak to each another again. Six years later the dispute over the land has ruined both farmers. The children have not seen each other during this time. Sali secretly pays Vreli a visit. They arrange to meet on the land they used to play on. The dark fiddler appears and invites them to follow him and see the world, but the lovers decline. Marti, looking for his daughter, finds them together. When he tries to drag Vreli away Sali fells him with a stone. Marti has lost his mind and Vreli had to take him to a lunatic asylum. Vreli and Sali spend a last night in her home, which has to be sold. Both dream the same dream, their wedding day. In the morning they decide to visit a fair in a neighbouring village. They are recognised by the villagers, who poke fun at them for being so poor. Sali suggests they go to the Paradise Garden instead. They meet the dark fiddler again, who tells his cronies about the argument over the land and the injustice he suffered. Once again he offers them the chance to lead a carefree existence and freedom in the mountains with his fellow vagabonds. They refuse, deciding to be united forever, in death.

Oper im Bockenheimer Depot – opera in the Bockenheimer Depot

 

Beschreibung der Oper Frankfurt

 

DER GOLDENE DRACHE
Peter Eötvös
* 1944
Der goldene Drache (Musiktheater) 2013/14 Libretto von Roland Schimmelpfennig nach dem gleichnamigen Theaterstück, eingerichtet von Peter Eötvös.
Kompositionsauftrag vom Ensemble Modern und der Oper Frankfurt

Zum Werk

Parallelwelten der Einheimischen und Immigranten berühren sich: In einem Asia-Imbiss spielt die neue Kammeroper von Péter Eötvös, deren Text auf dem Erfolgsstück von Roland Schimmelpfennig basiert. Ein junger Mann aus China, der seine Schwester sucht, hat keine Papiere und leidet an fürchterlichen Zahnschmerzen. Ihm wird ein fauler Zahn gezogen. Mit einer Rohrzange. Der Zahn landet in einer Thai-Suppe und wenig später im Mund einer Stewardess, die in unmittelbarer Nachbarschaft wohnt. Genau wie die anderen. Ein Mann wird alt und wünscht sich etwas, das ihm niemand erfüllen kann. Eine Frau wird schwanger, doch ihr Mann will das Kind nicht haben. Ein anderer Mann wird von seiner Frau verlassen. Eine Grille arbeitet für eine Ameise und wird zunehmend von ihr ausgebeutet...
In seinem Theaterstück ging es Roland Schimmelpfennig, einem der meistgespielten Gegenwartsdramatiker, keineswegs um eine »Dokumentation«. »Der Drache arbeitet mit den einfachen Mitteln der Ansage, der Verstellung und des Vorspielens, aber das Ziel des Stücks ist nicht Distanz, sondern das Gegenteil: Nähe. Identifikation. Es geht darum, zu ermöglichen, dass das Publikum den Figuren so nah wie nur irgend möglich kommt.«
Durch Schimmelpfennigs Bühnen- und Gedankenwelt ließ sich Péter Eötvös, weltweit als Opernkomponist gerühmt, inspirieren. Eötvös begreift die Musik als intensive Kommunikation zwischen Komponist, Interpreten und Publikum. Gerade in seinen Orchesterwerken und Opern (Le Balcon, Love and Other Demons, Tri Sestri, Die Tragödie des Teufels sowie Angels in America, die auch an der Oper Frankfurt mit großem Erfolg aufgeführt wurde) tritt seine Fähigkeit hervor, außergewöhnliche Klangwelten zu erschaffen. Komponieren besteht für ihn »aus Verzauberung der Zuhörer durch Klang«. Sein Interesse gilt einer Technik, mit der »das Unglaubliche zum Klingen« gebracht werden kann.

 

Description Opera Frankfurt

DER GOLDENE DRACHE
(The Golden Dragon)
Peter Eötvös
* 1944
Libretto by Roland Schimmelpfennig, based on the play by the same name
Commissioned by the Ensemble Modern and Oper Frankfurt
World premiere

 

About the piece
The parallel worlds of locals and immigrants converge in an Asian take-away. A young man from China, looking for his sister, has no means of identification and suffers from terrible toothache. His tooth is removed – with a wrench - and lands in a Thai soup and then, in the mouth of a stewardess who lives just around the corner. And the others? A man is growing old and longs for something that nobody can give him. A woman becomes pregnant, but her husband does not want the child. Another is left by his wife. A cricket works for an ant who unfairly takes advantage of him...
Roland Schimmelpfennig’s award winning play was never intended as a »documentary«. »The Dragon makes simple use of announcements and acting things out, the aim in the work is not to create detachment – quite the opposite: Intimacy. Being able to identify with things. Allowing the audience to get as close as possible to the characters.«
Schimmelpfennig’s stage and thought worlds inspired the composer Péter Eötvös, who seeks, through his music, to enable intense communication between those taking part and the audience. His ability to create unusual sound worlds can be heard in many of his orchestral works and operas: Le Balcon/The Balcony, Love and Other Demons, Tri Sestri/The Three Sisters, Die Tragödie des Teufels/The Devil’s Tragedy, and Angels in America, which was performed with great success at
at Oper Frankfurt a few seasons ago.

 

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