Oper Frankfurt: Die Trojaner – Opera Frankfurt: Les Troyens

Nein kein Bild aus der Oper. Dauer der Oper: vier Stunden und fünfzig  Minuten (4 Stunden 50 Minuten) mit zwei Pausen von insgesamt 50 Minuten. Also 4 Stunden stillsitzen und Musikhören. Irgendwie anstrengend. Man hat halt das Abo. Gelohnt hat sich der Besuch allemal.
No, no photo from the opera. Duration of the opera:  four hours and fifty minutes (4 hours 50 Minutes) with two breaks of altogether 50 minutes. That means 4 hours sitting quietly and listening to music. Somehow exhausting. But one has simply a subscription. The visit was worth certainly.

Les Troyens / Die Trojaner

Hector Berlioz 1803-1869
Menschen flüchten, vom erbarmungslosen Krieg in ihrer Heimat aufs Äußerste traumatisiert, über das Mittelmeer in ein reiches Land, das sie am Ende wieder verlassen, um die Utopie eines eigenen Staates wirklich werden zu lassen. Ein trauriges Geschehen, mit dem die Weltgeschichte in Variationen immer wieder auf den Plan tritt.
Hector Berlioz erblickte seine Epoche mit den Augen eines von Zukunftsvisionen getriebenen Fremden. Des Komponisten und Poeten halbherzige Versuche, dem auf Fortschritt, Expansion und imperiale Weltmachtansprüche eingeschworenen Zeitgeist mit seinem engstirnigen und verschlagenen Repräsentanten Louis-Napoleon bisweilen einen devoten Tribut zu entrichten, um seine Werke überhaupt zur Aufführung zu bringen, waren nur von kurzer Dauer. Seine Passion für antike Sujets, und insbesondere für das schon in der Kindheit entdeckte Werk Vergils, war das Resultat dieses Leidens an der eigenen Zeit. Deren Vorliebe für das große historische Genre indessen teilte er. Nichts konnte ihm in seinem Metier, dem Musiktheater, großformatig genug erscheinen, und am liebsten wollte er »ein Schiff ausrüsten und ein Orchester einschiffen, um am Fuß des Ida-Gebirges einen klingenden Tempel zu errichten«. Als ein solcherart klingendes Schiff präsentiert sich die fünfaktige Grand opéra von der Flucht der überlebenden Trojaner ins blühende Karthago, das sie am tragischen Ende wieder verlassen, um ihren geschichtlichen Auftrag, die Gründung des römischen Weltreichs, zu erfüllen. 
Parallel, in einem dialektischen Wechselbezug zu dieser Historie, vollziehen sich die traurigen und tödlich endenden Schicksale der beiden weiblichen Hauptgestalten. Die zur Zukunftsschau verdammte Trojanerin Cassandre und die von ihrem Geliebten Énée verlassene Königin Didon. Sie zeigen uns, wie die grausame Historie sich in den Seelen ihrer Opfer spiegelt. Les Troyens nimmt sich aus wie das musikalische Pendant zu Tolstois Krieg und Frieden.
Dass das gut vierstündige Werk sich nicht eben häufig auf den Spielplänen zeigt, ist vor allem seinem komplexen Ausmaß zu verdanken: Der gewaltige Orchesterapparat, der nicht minder umfangreiche Chor, nicht zuletzt aber die exorbitanten gesanglichen Herausforderungen der Solisten verhinderten die Aufnahme der Oper in das gängige Repertoire. Berlioz selbst war es aus diesem Grunde nie vergönnt, das Werk vollständig auf der Bühne zu erleben.

LesTroyens / The Trojans
Hector Berlioz 1803-1869
Hector Berlioz viewed the times he lived in with the eyes of a outsider driven by visions for the future. His half-hearted attempts to pay obsequious tribute to a Zeitgeist sworn to progress, expansion and claims of imperial world power, and narrow-minded Louis Napoleon, in order to ensure that his works were performed at all, were short lived. He had a passion for ancient subject matter and the works of Virgil, which he discovered in childhood and whose predilection for great historical genre he shared. Nothing for him, in opera, could be big enough. He wanted to »fit out a ship, set off with an orchestra and build a temple of sound at the foot of mount Ida.« This five act grand opéra – which could be seen as just this sort of ship - about the surviving Trojans fleeing to thriving Carthage, only to have to leave it again in order to fulfill their task, the founding of the Roman Empire and the sad fates of the two lead female figures: the Trojan Cassandra, cursed with the gift of prophesy, and Queen Dido, who was deserted by her beloved Aeneas. Les Troyens is the operatic equivalent of Tolstoy's War and Peace.
The size of orchestra and chorus and demanding nature of the lead roles are the reasons why this 5+ hour evening is not performed more often. Berlioz, sadly, never saw the work, in its entirity, on stage.
Act I The Greeks have abandoned their camp in front of Troy after a ten year siege, leaving behind an enormous horse which the Trojans, besides themselves for joy about their new found freedom, take to be an offering to Pallas Athene. They pay no heed to Cassandra, daughter of Priam, who is horrified by the people's unwariness. She foresees the destruction of Troy, not even her lover Chorèbe will believe her when she begs him to leave the city. Celebrations are interruped by the grieving figure of Hector's widow Adromache. Then Aeneas rushes in, describing the death of the priest Laocoon; mistrustful of the horse he wanted it burned; whereupon two serpents appeared from the sea and devoured him. The Trojans cheer Aeneas' decision to have the horse brought into the city to appease the goddess. Cassandra's warnings fall on deaf ears.
Act II Hector's ghost tells Aeneas that Troy is in flames - the enemy are in the city. Those who still have a chance to flee should rescue Troy's sacred idols, take them to Italy and found a new kingdom. The priest Pantheus brings terrible news: Greeks who were hidden in the horse have opened the gates of the city. Cassandra prophesies that Aeneas will build a new Troy in Italy. She, whose beloved Chorèbe has already been killed, longs only for death. When the Greeks storm in the women cry out »Italy«, and kill themselves.
Act III Dido, Queen of Carthage, and her people celebrate: it is seven years since she, an emigrant, whose husband was murdered, founded the city of Carthage. Dido asks her people and for their support against King Jarbas, who wants to conquer her country. Dido is determined to be true to memories of her dead husband, but is overcome by a strange sense of unease. The poet Iopas announces the arrival of an unidentified fleet, driven to Carthage's shores by a storm. Dido grants the strangers refuge. Aeneas' son, presents her with gifts. Pantheus explains that it is Aeneas' mission to found a new Troy in Italy. Narbal, a minister, hurries in with news that Jarbas and his troops are invading. Aeneas reveals his identity and leads the Trojans and Carthaginians into battle.
Act IV Royal Hunt. Dido and Aeneas take refuge from a storm. Narbal, sensing their love, is worried about the future of his country. Dido's sister Anna is sure thatlove will be victorious over Aeneas' sense of duty. Narbal contradicts her: is it right that Aeneas stay longer in Carthage, putting the queen and people on hold in the expectation of a wedding? Aeneas tells Dido about Andromache, a widow like she, who has finally given her hand in marriage to Pyrrhus, who abducted her from Troy. Dido is unsure: »Everything conspires that I be absolved from the guilt of infidelity.« That night Dido and Aeneas consummate their love. Mercure appears, strikes Aeneas' shield and calls out »Italy« three times.
Act V Pantheus instructs the Trojans to prepare to set sail: the gods are angry about the delay. Aeneas' awareness of his devine mission does battle with his emotions. He resolves to depart; but wants to see Dido once more. The ghosts of Cassandra, Choroebus, Priam and Hector appear. Now nothing that Dido can say can make him stay. When she is brought news of the Trojans departure she curses Aeneas and orders that all objects that might remind her of him be gathered together. Left alone, she decides on death and bids farewell to life. Priests call upon the gods of death and oblivion. After predicting the arrival of a powerful conqueror in Carthage – Hannibal – her avenger, she stabs herself with Aeneas' sword. Her last vision is of eternal Rome. The Carthaginians swear: »War will rage between us far into the distant future. Those not yet born will wreak bloody revenge.«

Oper Frankfurt: Iwan Sussanin – Opera Frankfurt: Iwan Sussanin

Ohne Bilder: ich kann nur sagen, ich werde die Oper wenn sie wieder aufgeführt wird, nochmals hingehen. Die Musik – ein Traum. Die Handlung wurde verlegt in den zweiten Weltkrieg – damit konnten die Bühnenbilder für das Verständnis des Publikums etwas machen.  Without any picture: I can only say, I will visit the opera the next time, when it will be on stage again. The music – a dream. The plot is transferred in the Second World War – therefore the scene designer could do a little bit more for the understanding of the plot – also for us, the audience.

IWAN SUSSANIN

Michail Iwanowitsch Glinka 1804 - 1857
Oper in vier Akten
Iwan Sussanin Michail Iwanowitsch Glinka verlegt den parabolischen Kern der Handlung in die Zeit des Polnisch-Russischen Krieges (1609-1618), der in der Befreiung Moskaus kulminierte. Die gleichwohl zeitlose Fabel lässt sich damit zusammenfassen, dass der Bauer Iwan Sussanin erkennt, dass hinter dem Wohl des Einzelnen auch immer das Wohl des ganzen erstritten werden muss. Es kann kein wirkliches Glück inmitten kollektiven Leids geben. Er führt die feindlichen Besatzer, den eigenen Tod in Kauf nehmend, in die Irre und rettet dadurch das Land. Der tragisch endende Weg des Mannes, sein bewusst geplanter Untergang als Blutzoll für die Befreiung der Unterdrückten, wird flankiert von großen, volksmusikalisch geprägten, metrisch aber hochkomplizierten Chorszenen und melodisch weit ausgreifenden, farbenreichen Kantilene, sinfonischen Zwischenspielen, mannigfaltigen Tanzformen und einer extrem ausgeweiteten Polyphonie.
Nicht selten liegt ein Gleichnis unter der Oberfläche der historischen Erscheinung. Modest Mussorgski hat dies erkannt, als er da 1836 in St. Petersburg entstandene Hauptwerk des tief verehrten romantischen Komponisten Glinka, des »Vaters der russischen Musik« charakterisierte. Als Held dieser ersten russischen Oper, die ohne gesprochene Dialoge auskommt, tritt ein einfacher Mann vom Lande auf den Plan, der selbst eine Legende ist. Er verkörpert ein Ideal, das sich als Werk der Notwendigkeit offenbart. Ein solches Ideal in der Tonsprache zu realisieren, war Glinkas Ziel. Zugrunde legte er dafür jenen später auch von Tolstoi immer wieder gestalteten Wechselbezug zwischen dem Einzelnen und dem Ganzen: »Es schafft das Volk die Musik, wir Musiker arrangieren sie nur. 

IWAN SUSSANIN

Michail Iwanowitsch Glinka 1804 - 1857
Opera in 4 acts and an epilogue
About the work

Glinka set this parable at the time of the Polish-Russian war (1609-1618), which culminated in the liberation of Moscow, to music. A farmer, Iwan Sussanin, realising that the wellbeing of the whole is more important than the wellbeing of an individual, and that no individual can be truly happy amidst general suffering, risks his life by misleading the enemy, and saves his country. The consciously planned, tragic end of the man's life, sacrificed to free the oppressed, is accompanied by wonderful folk music influenced, highly complicated chorus scenes, richly coloured rich cantilena, symphonic interludes and dance.
A parable often lies beneath the surface of an historical phenomenen. Modest Mussorgsky realised this when he described the main work of the deeply revered romantic composer Glinka, the »father of Russian music«, which was composed in St. Petersburg in 1836. The hero in this first Russian opera, which has no spoken dialogue, is a simple man from the countryside, a legend embodying an ideal, whose fate it is to carry out a »work of necessity«. Glinka wanted to reproduce this ideal in music. The interrelation of the individual with the whole, something taken up later on by Tolstoy, underpins everthing: »The people create the music, we musicians only arrange it.«

Synopsis
Moscow is about to be taken by enemy forces. In a village outside the city Antonida, daughter of the farmer Iwan Sussanin, longs to see her beloved Sobinin again. He returns from the front with good news: the Russian troups were able to hold their own against the enemy. Sobinin is the new leader of the partisans. When he asks Sussanin for Antonida's hand, her anxious father consents with great reluctance because it does not feel right to celebrate a wedding when the situation in Russia is so unsettled. Act 2 Occupied Warsaw. The enemy are celebrating their apparent victory over Moscow. But news soon reaches them that the taking of the city has failed. Refusing to tolerate such a military and economic defeat, they prepare to attack again. Act 3 Wanja, Iwan Sussanin's foster son, dreams of joining the battle, but he is too young. When Sussanin tells him about their new leader the young man longs to serve him. During Sobinin's absence the enemy force their way into Sussanin's house. They threaten to kill him if he refuses to lead them to the secret place where the new leader is hidden. Sussanin secretly sends Wanja off to warn the leader. Sussanin, pretending to accept a bribe, leads the enemy into the woods. Antonida is left behind, desperate. When Sobinin returns and finds out what has happened, he sets off immediately with his men. Act 4 Wanja reaches the leader's camp and wakes everyone up. They set out to march against the enemy. Meanwhile, Sussanin has led the enemy deep into the woods. The men fall asleep exhausted. Sussanin knows that his country has been saved because the enemy will never find their way out of the woods, but also that he will pay for this with his life. At dawn, when he admits having led them astray, they kill him. EPILOGUE The Russian people celebrate the liberation of their country and victory over the enemy. They laud and honour Iwan Sussanin's heroic deed.

Oper Frankfurt : Figaros Hochzeit - Opera Frankfurt: Le nozze de figaro

 

Ein Tourist am Willy-Brandt-Platz vor mir zu seiner Frau: ‚Die Oper Frankfurt gehört zu den Weltbesten‘. Das sagt wohl alles aus. Obwohl, diesmal war es etwas zu lang – lag aber am Komponisten.

A tourist at Willy-Brandt-Place saying to his wife: ’the opera Frankfurt is one of the best in the world.’ This says it all. Although this time it was a little bit too long – this time due to the composer.  

 DIE HOCHZEIT DES FIGARO (Le nozze di Figaro)
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Oper in 4 Akten
Text von Lorenzo Da Ponte nach Pierre Augustin Caron de Beaumarchais
Uraufführung am 1. Mai 1786, Burgtheater, Wien
zum Werk
Beaumarchais Erfolgskomödie Der tolle Tag bot glänzende Voraussetzungen für die erste Zusammenarbeit zwischen Mozart und Da Ponte. Theaterwirksame Situationen und Charaktere wurden übernommen, der politische Sensationswert blieb erhalten. Im Mittelpunkt des Geschehens steht der bereits aus dem Barbier von Sevilla bekannte und beliebte Figaro. In Mozarts Fortsetzung gilt es erneut, Hindernisse zu überwinden, bis die richtigen Paare vereint werden. Die geplante Heirat von Susanna und Figaro wird durch den von amourösen Absichten angespornten Grafen Almaviva gestört. Da dieser ursprünglich auf das ius primae noctis verzichten musste, versucht er auf andere Weise, Susanna gefügig zu machen, während Figaro und seine Braut der schmählich vernachlässigten Gräfin beistehen. Ein entworfener Racheplan soll den abtrünnigen Gatten zur Reue zwingen. Der verliebte Page Cherubino, die heiratswillige Marcellina, verschlossene Türen, fingierte Briefchen und Verkleidungsszenen sorgen für eine turbulente und kurzweilige Handlung, die diesem Klassiker einen zeitlosen Unterhaltungswert sichert.

DIE HOCHZEIT DES FIGARO -The Marriage of Figaro
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Opera in four acts
Text by Lorenzo Da Ponte after Pierre Augustin Caron de Beaumarchais
First performed May 1st 1786, Burgtheater Vienna

A mad day in Count Almaviva’s castle: preparations for Figaro and Susanna’s wedding begin in the morning but a faked letter, people pretending they are going away, forcing doors open, jumping out of windows and dressing up as one another mean that the pair have to wait until the next break of dawn before they are united. The count, thinking he is about to, at long last, enjoy a bit of hanky-panky with Susanna, finds himself back in the arms of none other than his wife. The rest of the day is filled with desperate attempts to prevent the wedding taking place and equally determined efforts to ensure that it does. The opera was based on Beaumarchais' sociocritical comedy – aimed to show up the "Vice, abuse and capriciousness carried out under the masks of the ruling classes". Whilst adapting this »delicate« subject, which turned out to be one of the harbingers of the French revolution, Mozart and Lorenzo Da Ponte managed to communicate the swings between serious and amusing scenes. Fine portraits of characters come to life and there is real situation comedy during the intrigue filled story. It was the refreshing liberality of the figures as well as politically explosive texts that lent the French original a scandalous aura. The real fun in Mozart’s comedy comes from the impudence of the retainers and their lack of respect for their masters. Despite all the turmoil during a completely crazy day everything turns out all right in the end.

Impressionisten und die Seine – Impressionists and the Seine

Im Sommer war natürlich ein Muß die Ausstellung „Monetund die Geburt des Impressionismus“ im Frankfurter Städel zu besuchen. Leider ist sie schon zu ende.
During summer we had to visit the exhibition “Monet and the Birth of Impressionism” in the museum Städel of Frankfurt. Unfortunately it is already finished.
Ausstellung „Monet und die Geburt des Impressionismus“
Die Ausstellung „Monet und die Geburt des Impressionismus“ widmete sich der Entstehung und frühen Entwicklung des Impressionismus. Im Blickpunkt standen Claude Monet als Schlüsselfigur des Impressionismus und Künstlerkollegen wie Auguste Renoir, Édouard Manet, Berthe Morisot, Edgar Degas, Alfred Sisley und Camille Pissarro, die innerhalb weniger Jahre die Malerei revolutionierten. Die Ausstellung nahm die Anfänge der impressionistischen Bewegung in den frühen 1860er-Jahren bis hin zum Jahr 1880 in den Blick. Sie beleuchtete, wie der vollkommen neue Stil des Impressionismus entstehen konnte und sich in der Malerei dieser bedeutenden Bewegung ein radikaler Wandel des Verhältnisses von Bildinhalt und Form vollzog. Der Impressionismus forderte die damaligen Sehgewohnheiten auf völlig neuartige Weise heraus. Keine andere Kunstströmung hat zuvor das Spiel von Farbe und Licht zu einer solchen Auflösung der Formen getrieben – zu körperlosen Figuren, substanzlosen Gebäuden und vagen Erscheinungen von Landschaften. In ihren Werken beschäftigten sich die Impressionisten mit Themen wie dem Verhältnis von Mensch und Natur, der modernen Freizeitgestaltung oder der Beschleunigung des Lebens durch den technischen Fortschritt.
Rund 100 Meisterwerke aus internationalen Sammlungen, u. a. dem Pariser Musée d’Orsay, dem Metropolitan Museum of Art in New York und der National Gallery in London, waren in der ausschließlich in Frankfurt gezeigten Ausstellung zu sehen.

Exhibition “Monet and the Birth of Impressionism”

The exhibition “Monet and the Birth of Impressionism” was devoted to the emergence and early development of Impressionism. The chief focus was on Claude Monet as the movement’s key protagonist, and his fellow artists Auguste Renoir, Édouard Manet, Berthe Morisot, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro and others, who revolutionized painting within just a few years. The Monet exhibition focused on the beginnings of the Impressionist movement in the years from the early 1860s to 1880 and sheds light on the emergence of this completely new style and the radical change it brought about in the relationship between pictorial content and form. Impressionism challenged the visual habits of the time in a completely new way. No art current before it had taken the play of colour and light to such an extreme dissolution of form ‒ to bodiless figures, substance-less buildings and vague impressions of landscapes. In their works the Impressionists concerned themselves with themes such as the relationship between man and nature, modern forms of recreation, and the acceleration of life through technical progress.
Some one hundred masterworks from collections in many countries, among others the Musée d’Orsay in Paris, the New York Metropolitan Museum of Art and the National Gallery in London, were on view in the Monet exhibition presented exclusively in Frankfurt.

Durch Zufall erfuhr ich noch von der Ausstellung ‚Mit den Impressionisten entlang der Seine‘. Die Ausstellung ist klein, aber fein. Bis 18. Oktober 2015 ist sie noch im Wallraf Museum in Köln zu sehen. .

By chance I heard about the exhibition ‘Down the Seine with the impressionists’.  The exhibition is small but fine. Till the 18^th of October you could visit it in the ‘Wallraf Museum’ in Cologne.

MIT DEN IMPRESSIONISTEN ENTLANG DER SEINE

Caillebottes bunte Ruderboote liegen startklar am Ufer der Seine: Einsteigen, ablegen und im milden Sommerlicht geht es durch eine wilde Auenlandschaft von Renoir, mächtige Lastkähne von Signac und ­Monet schieben sich stromaufwärts, etwas später passiert man ein pittoreskes Städtchen von der Hand Morisots, um schließlich durch das galante Paris der Maler Luce und Hayet zu treiben. Für diesen traumhaften Ausflug muss niemand in diesem Sommer nach Frankreich aufbrechen – es reicht der Kauf einer Eintrittskarte für das Wallraf-Richartz-Museum & ­Fondation Corboud. Anlässlich des 90. Geburtstages seines Stifters Gérard J. Corboud verwandelt das Kölner Haus einen Teil seiner ständigen Sammlung in eine kunsthistorische Flusslandschaft und dieser Strom von Bildern führt die Besucher Mit den Impressionisten entlang der Seine.
Der außergewöhnliche Parcours im Herzen der „Abteilung 19. Jahrhundert“ versammelt 39 impressionistische Meisterwerke und verdeutlicht dabei, wie sich die Künstler von der Seine und ihrer Umgebung inspirieren ließen. Seit der Erfindung der Tubenfarbe verließen immer mehr Künstler ab Mitte des 19. Jahrhunderts ihre Ateliers und zogen mit Leinwand und Palette im Gepäck in die Natur. Ihre Motive fanden und malten sie gleich vor Ort unter freiem Himmel. Die farbenfrohe Reise durch das Wallraf startet am 19. Mai und dauert bis zum 18. Oktober 2015.
Schon seit seinen Anfängen hat das Wallraf-Richartz-Museum die Malerei des 19. Jahrhunderts gesammelt. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde dann der Grundstock für eine kleine, aber erstklassige und vielseitige Sammlung französischer Bilder gelegt, die vor allem in den 1960er Jahren noch ausgebaut werden konnte. Dank der „Ewigen ­Dauerleihgabe“ von mehr als 170 Kunstwerken durch die ­Fondation ­Corboud im Jahre 2001 wurde die Sammlung impressionistischer Kunst schließlich hervorragend ergänzt und gilt heute als eine der umfangreichsten in Deutschland.

DOWN THE SEINE WITH THE IMPRESSIONISTS 

Caillebotte’s colourful rowing boats are moored ready to embark on a trip down the Seine. Once we have climbed into the boats and cast off in the mild summer light, we pass by a landscape of meadows by ­Renoir and see heavy barges by Signac and Monet ploughing their way upstream. A short while later, we glide past a picturesque little country town by Morisot, before drifting through Luce’s and Hayet’s elegant ­Paris. In this summer no one will need to travel to France in order to undertake this lovely excursion: all that’s required is a ticket to the Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud. To mark the ninetieth birthday of the Fondation’s creator, Gérard J. Corboud (18 May 1925), a section of the Cologne museum is transforming part of its permanent collection into an art historical river landscape. Visitors will be borne along on a pictorial current in Down the Seine with the Impressionists: A Journey through the Collection.
The unusual trip will take viewers past 39 Impressionist masterworks, acquainting them with the various ways in which the painters saw the Seine and their environs. From the mid-nineteenth century many artists grasped the opportunity afforded by the invention of tube paints to leave their studios and work outdoors with their colours, palettes and canvases, choosing and painting their subjects on the spot. The colourful journey through the ­Wallraf begins on 19 May 2015 and lasts until 18 October.
The Wallraf-Richartz-Museum has always collected nineteenth-century pictures. The foundations of a small, but first-class and wide-ranging collection of French painting were laid in the early years of the twentieth century and expanded later, notably in the 1960s. The ‘loan in perpetuity’ of more than 170 works from the Fondation Corboud in 2001 represented an outstanding addition to its Impressionist and Neo-Impressionist holdings and is now considered as one of the largest in Germany.

Da wir diesmal an einem Wochentag in Köln waren, waren  auch die Steinmetze bzw. Restauratoren in der Domwerkstatt zu sehen. Leider sind Glastüren dazwischen.
This time we visited Cologne on a weekday. Therefore we could watch the stonemasons or the restorer. Unfortunately there is a glass door between.  

Nach dem Museumsbesuch, einen Bummel in der Stadt mit lecker Käffchen (bedeutet in Köln echter Bohnenkaffee) haben wir uns noch am Rhein auf einer Bank ausgeruht und den Schiff- bzw. Eisenbahnverkehr beobachtet.
After our visit of museum, a stroll through the city with a delicious coffee (in Cologne it means a real coffee) we rested on a bank at the Rhine and watches the ships and the railway.

 

Morgen fahren wir schon wieder weg – nach Wien.
Tomorrow we travel yet again – to Vienna.

Happening in Frankfurt – Happening in Frankfurt

Einen Tag nach unserem Urlaub mußte ich nach Frankfurt eine Freundin abholen. Dabei wurde ich Zeuge wie am Römer – genannt in Frankfurt ‚die gudd Stubb‘ – dies aufgebaut wurde.



A day after our holiday I had to fetch a friend of mine. Thereby I witnessed how at the ‘Römer’ (city hall of Frankfurt) – called in Frankfurt ‘the gudd Stubb’ – this was constructed.

 

Oper Frankfurt : La Cenerentola - Opera Frankfurt: La Cenerentola

Auch diesmal ohne (viel) Worte. Die Oper ist kurzweilig. Nur zum Schluß hat sie sich etwas gezogen. Sehenswert.

LA CENERENTOLA (Aschenbrödel)

Gioacchino Rossini
1792 - 1868
zum Werk

Wie ein Traumspiel am seidenen Faden entwickelt sich die Handlung der wohl berühmtesten msikalischen Adaptation des Aschenbrödel-Märchens. Die freie Übertragung des Märchens von Charles Perrault, die ein Jahr nach Il barbiere di Siviglia uraufgeführt wurde, ersetzt die böse Stiefmutter durch einen ehrgeizigen aber einfältigen Stiefvater, die gute Fee durch den Philosophen Alidoro, Lehrer des Prinzen Don Ramiro und den auf dem fest verlorenen Schuh durch ein Armband, das als Pfand dient. Rossinis und Ferrettis La Cenerentola greift auf verschiedenartige Vorlagen des Aschenbrödel-Stoffes zurück, wobei schon der Untertitel des Librettos Der Triumph der Tugend auf die Tradition des bürgerlichen Rührstücks verweist. Sie erzählt die Geschichte von Angelina (genannt Cenerentola), der Stieftochter Don Magnificos, die von ihren Schwestern Clorinda und Tisbe als Dienerin behandelt wird, bevor Prinz Don Ramiro schließlich um ihre Hand anhält. Er befreit sie damit von ihrem elenden Schicksal, das sie bis dahin in ihrem immer wiederkehrenden Lied besungen hatte: »Una volta c’era un re« – »Es war einmal ein König«. La Ceneretola nimmt in Rossinis Schaffen eine besondere Stellung ein: Sie verbindet die Motorik und den Feuerwerkscharakter der Musik mit virtuos konstruierten Momentaufnahmen der Hauptfiguren, wodurch das Märchen in seiner Adaptation mit feinen musikalischen Mitteln und liebenswürdigen Details erzählt wird. Mit all ihren Begierden, Tugenden, Schwächen und Sehnsüchten stellt Rossini die Figuren dar und führt sie in schwindelerregenden Ensembles zusammen. Keith Warners Ceneretola-Inszenierung wurde sowohl von der Presse als auch vom Publikum begeistert aufgenommen: Seine Interpretation vermittelt Rossinis Humor und musikalisch-dramaturgischen Tiefsinn auf höchstem szenischen Niveau.

Also this time without (many) words.  The opera is quite entertaining. Only in the end it was a little bit too long. But worth seeing.

LA CENERENTOLA (Cinderella)

Gioacchino Rossini
1792 - 1868
About the Piece

The story unfolds like a dream on silken threads. Charles Perrault's free adaptation of the fairy tale, first performed only a year after the world premiere of Il barbiere di Siviglia, replaces the evil stepmother with an ambitious but simple father, the good fairy with Alidoro, a magician and Prince Ramiro's teacher, and the shoe lost at midnight with a bracelet. Rossini's and Ferretti's La Cenerentola is based on various versions of the Cinderella story. Keith Warner's production was praised by press and public when it first opened: his interpretation conveys Rossini's humour and dramaturgical profundity at the highest possible level.

Synopsis

Don Magnifico's daughters, Clorinda and Tisbe, treat their step-sister, Angelina (La Cenerentola), like dirt. Ramiro, a young Prince, is looking for a wife. His teacher, the magician Alidoro, wants to help him. Alidoro, in disguise, is treated rudely by the hard-hearted sisters. Angelina greets him warmly. Courtiers deliver an invitation to a ball. The Prince, disguised as his valet Dandini, calls at the house. He and Angelina are immediately drawn to each other. Dandini, disguised as Ramiro, is amused to watch Magnifico and his daughters grovel. Angelina begs her father to allow her to go to the ball, but he refuses. Alidoro sees from his register that Magnifico has three daughters and asks where the third one is. Magnifico says that she died. When the others have left, Alidoro gives Angelina a gown and matching bracelets.... The courtiers make fun of Magnifico. Clorinda and Tisbe try to attract the Prince’s attention. A veiled, mysterious Beauty enters. Her resemblance to Angelina astonishes her family. The supposed Prince tries to woo the woman but she tells him that she loves his valet. Ramiro, eavesdropping, proposes to her immediately. Alidoro intervenes: Ramiro should see Angelina in her true guise. Angelina gives Ramiro one of her bracelets, and leaves. The Prince and valet resume their true identities. Alidoro conjures up a thunderstorm. The Prince seeks refuge in Magnifico's house. Ramiro recognizes the bracelet on Angelina’s wrist and proposes again. Angelina forgives her father and step-sisters.

 

Oper Frankfurt ‚DIE ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL‘– Opera Frankfurt ‚The Abduction from the Seraglio‘

Ich kann nur schreiben: schön, kurzweilig, sehenswert.
I can only say: lovely, entertaining, interesting.

DIE ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL

Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791
Singspiel in drei Aufzügen, Text von Johann Gottlieb Stephanie d. J.
zum Werk

Die zu Mozarts Lebzeiten am häufigsten gespielte und erfolgreichste Oper? Die Entführung aus dem Serail. Noch mitten in der Komposition hatte sich Mozart mit seinem Salzburger Arbeitgeber, dem Erzbischof Hieronymus von Colloredo zerstritten und die Heimatstadt schließlich nach etlichen Auseinandersetzungen verlassen. In Wien erfüllte sich sein berufliches Ziel, die Hoffnung als Hofkomponist zu reüssieren, nicht, stattdessen heiratet er Konstanze Weber und arbeitet weiter an seiner Entführung. Dem modischen Zeitgeist folgend, ahmt Mozart musikalisch „türkische Musik“ nach, bzw. das, was er sich darunter vorstellte. Die Erinnerung an den sogenannten Türkenkrieg hundert Jahre zuvor war noch lebendig – so entstand neben einer dreiteiligen Ouvertüre, deren Anfangs- und Schlussteile „türkisch“ klingen, eine modisch „orientalische Oper“.

DIE ENTFÜHRUNG AUS DEMSERAIL (The Abduction from the Seraglio)
Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791
Opera in three acts, Libretto by Johann Gottlieb Stephanie the Younger
About the Piece

Which was the most performed and successful of Mozart's operas during his lifetime? Die Entführung aus dem Serail. While composing the work, Mozart's arguments with his employer in Salzburg, Archbishop Hieronymus von Colloredo, led him to pack his bags and leave his city of birth. His dream of working at court in Vienna come to nothing, but he found love, married Konstanze Weber and continued work on his Entführung. In tune with the spirit of the times, Mozart imitated »Turkish music«, or how he imagined such music might sound. Memories of the so called Turkish war a hundred years earlier were still fresh – so came into being a three part overture whose beginning and end sections sound »Turkish«, a fashionable »oriental opera«.

Synopsis
Belmonte, a young Spanish nobleman, wants to free his bride Konstanze, her maid Blonde and his servant Pedrillo, who, after falling into the hand of pirates during a voyage, are being held against their will in the harem of Bassa Selim’s palace in Turkey. Belmonte does not manage to get past the steward Osmin until he meets Pedrillo, who passes Belmonte off as an achitect to get him into the building. Since their arrival Konstanze has held firm against Bassa’s threats and pleading for her love and Blonde has not given in to Osmin’s attemps at seduction. Pedrillo gets Osmin drunk so that their attempt at escape can succeed. When the the two pairs of lovers finally meet up again it seems that the escape might have to be postponed because of the men’s doubts about the women’s faithfulness - but they soon make up. Their escape is thwarted at the last moment. They are tied up and taken before Bassa, where it transpires that Belmonte is the son of Bassa’s deadly enemy. Seeing no way out of the situation Konstanze says that she would prefer to die with her lover. Instead of taking revenge Bassa grants his prisoners freedom, much to Osmin’s displeasure.

 
 

Einige Tage in Frankfurt – some days in Frankfurt

Ich hatte es einfach leid, immer nur im Garten zu arbeiten, und meine Museumskarte lief in den nächsten Tagen aus. Also beschloß ich kurzfristig einige Tage in Frankfurt zu verbringen. Der Wiesenmanager unterstützte mich dabei – wollte wahrscheinlich nur Fußball gucken – da ich wegen dem schönen Wetter ein schlechtes Gewissen hatte. Aber man soll die Feste feiern wie sie fallen.
Mit einer Freundin vereinbarte ich ein Treffen. Sie wollte auf die Creativa – da ich das nicht kannte war ich einverstanden.
I was so fed up, always working in the garden, and my museum card was expiring in a few days. So I decided before long, to spend some days in Frankfurt. The meadow-manager supported me – I think he only wanted so watch football – because of the nice weather I had a guilty conscience. But one must celebrate when  one has the chance.
Am Anreisetag besuchte ich das Museum der Kommunikation – kurz Postmuseum – für die Ausstellung ‚Body Talks‘.
Na ja, die Ausstellung hat mich nicht so überzeugt. Aber interessant ist das Begleitprogramm. So habe ich festgestellt, daß es eine Dessous-Akademie in Hessen gibt.
Aber hier sind erst mal die Beschreibung und der Link zur Ausstellung.  Und von da kommt man zum Flyer mit den Veranstaltungen.
At the day of arrival I visited the ‘Museum of communication’ - short ‘Postmuseum’ – for the exhibition ‘Body Talks’. Well, the exhibition didn’t convince me. But the accompanying programme is quite interesting. So I discovered, that in Hessen exists a
‘Dessous Academie’.
But here you see first the description (sorry only in German) and the link to the exhibition. And from there you can see or print the Flyer.

Body Talks – 100 Jahre BH

10. Oktober 2014 bis 15. Februar 2015
Mode ist Kommunikation und bestimmte Kleidungsstücke sind dabei besonders wirksam. Seit seiner Patentierung vor 100 Jahren verhüllt und exponiert der BH die weibctheliche Brust. Wie kaum ein anderes Kleidungsstück vermittelt er unsere Vorstellungen von Attraktivität und Schönheit, von Schicklichkeit, Tabus und Regelverletzungen.
Ob Minimizer oder Wonderbra, aufreizend knapp oder sportlich bequem, der Wandel in Design, Material und Gebrauch erzählt von wechselnden Rollen und Körperbildern, aber auch von wirtschaftlichen Not- und Glanzzeiten. Von den frühen Frauenrechtlerinnen im Kampf gegen das Korsett, über Hollywoods Busenwunder bis hin zu Oben-ohne-Protesten reflektiert der BH politische, kulturelle und gesellschaftliche Umbrüche.
Anlässlich des Jubiläums erzählt die Ausstellung „Body Talks“ anhand der Geschichte des BHs auch 100 Jahre turbulente Zeitgeschichte.
Aus dem Flyer
Mode ist Kommunikation und bestimmte Kleidungsstücke sind dabei besonders

wirksam. Seit seiner Erfindung verhüllt und exponiert der BH die weibliche

Brust. Als ein Medium der Körpersprache vermittelt dieses Kleidungsstück
aber auch unsere Vorstellungen von Attraktivität und Schönheit, von Schicklichkeit,
Tabus und Regelverletzungen.
Ob Minimizer oder Wonderbra, aufreizend knapp oder sportlich bequem – der
Wandel in Design, Material und Gebrauch erzählt von wechselnden Körperbildern
und Geschlechterrollen, aber auch von wirtschaftlichen Not- und Glanzzeiten. Von
den frühen Frauenrechtlerinnen im Kampf gegen das Korsett über Hollywoods
Busenwunder bis hin zu Oben-ohne-Protesten spiegelt der BH politische und
kulturelle Umbrüche wider.
Vor 100 Jahren entwarf die Amerikanerin Mary Phelps Jacob einen der ersten
Büstenhalter, der am 3. November 1914 patentiert wurde. Seitdem erlebt der
BH eine wechselvolle Geschichte. Immer jedoch steht er im diskursiven Spannungsfeld
zwischen Natur und Kultur, Privatheit und Öffentlichkeit.
Zum Jubiläum des Patents widmet sich die Ausstellung »Body Talks – 100
Jahre BH« der Geschichte des BHs als Kommunikationsmedium von seiner Erfindung
bis in die Gegenwart. Modelle aus knapp 100 Jahren veranschaulichen
das untrennbare Zusammenspiel von Kleidungsstück und gesellschaftlichem
Blick auf die weibliche Brust.

Empfehlen kann ich allerdings das Café dort. Essen ist sehr gut, allerdings war der Lärmpegel etwas hoch (Schulferien). 
Am nächsten Tag habe ich mich bei Oxfam mit Büchern versorgt. Anschließend bei Hugendubel noch gestöbert und dann in die Schirn zu der Ausstellung einer finnischen Malerin. Mir waren es zu viele Porträts.  Ein paar Bilder waren schön und ihr Lebensweg ist sehr interessant.
But I can recommend the coffee shop. The food is delicious, however the noise level is a little bit high (school holidays).
The next day I went to Oxfam to buy some books. Afterwards I browsed some books at Hugendubel and then visit the ‘Schirn’ to see an exhibition of a female painter from Finland. For me there were too many portraits. Some pictures were beautiful and her live is quite interesting.
Auch hier wie immer die Beschreibung und der Link.

HELENE SCHJERFBECK

2. OKTOBER 2014 – 11. JANUAR 2015
Die wichtigste finnische Künstlerin der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Helene Schjerfbeck (1862–1946), wird von der SCHIRN in einer Einzelausstellung präsentiert. Ihre Arbeiten zeugen von einer beeindruckenden Intensität. Während ihrem malerischen Werk in Skandinavien eine breite Aufmerksamkeit zuteil wird, ist es im Ausland bisher wenig beachtet. Die Ausstellung konzentriert sich auf Aspekte der Wiederholung des Motivs und auf das Arbeiten nach Bildvorlagen, die Schjerfbecks gesamtes OEuvre durchziehen und sowohl die Ende des 19. Jahrhunderts in realistischer Manier gemalten Bilder als auch die zu einer vereinfachten und abstrahierten Formensprache gelangten späten Werke einschließen. Dabei spielen die eindrucksvollen Selbstporträts, die sie von den 1880er-Jahren bis zu ihrem Tod 1946 schuf, ebenso eine zentrale Rolle wie die Arbeiten, in denen die Künstlerin eigene Motive wiederholt oder prominente Arbeiten anderer Künstler wie El Greco oder Hans Holbein aufgreift und sich motivisch aneignet. Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit dem finnischen Nationalmuseum, dem Ateneum Art Museum. Sie zeigt mehr als 80 Arbeiten aus dem Ateneum sowie aus zahlreichen anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.
Kuratorinnen: Carolin Köchling (SCHIRN); Anna-Maria von Bonsdorff, (Ateneum)
As always the description and the link
HELENE SCHJERFBECK
2 OCTOBER 2014 – 11 JANUARY 2015
In the fall and winter of 2014, the SCHIRN will present the most important Finnish artist of the first half of the twentieth century – Helene Schjerfbeck (1862–1946) – in a solo exhibition. Schjerfbeck’s works bear witness to impressive intensity. While her painterly oeuvre attracts a great deal of attention in Scandinavia, she is largely unknown abroad. The exhibition will concentrate on aspects of motif repetition and the manner of employing visual sources that permeates Schjerfbeck’s entire body of work and comes to bear in realistically painted works of the end of the nineteenth century as well as those of her late phase characterized by an abstract and simplified formal language. Within this context, the striking self-portraits the artist produced from the 1880s until her death in 1946 play a pivotal role, as do the works in which she re-uses her own motifs or appropriates those she finds in prominent works by other artists such as El Greco or Hans Holbein. Organized in collaboration with the Ateneum, Finland’s national art museum, the show will assemble more than eighty works from that museum’s holdings as well as from numerous other public and private collections.
Curator: Carolin Köchling (SCHIRN); Anna-Maria von Bonsdorff, (Ateneum)
Am Rückreisetag war ich mit einer Freundin auf der Creativa, die diesmal nicht Wiesbaden, sondern Frankfurt stattfand. Eigentlich dachte ich  meine Freundin würde wissen, wohin sie will. Aber wir waren da beide etwas unbedarft bzw. neu. Trotzdem  findet man das eine oder andere.
At the day of departure a I visited with a friend the ‘Cre ativea’. This time it was in Frankfurt and not as usual in Wiesbaden. I thought my friend would know where to go. But we both were quite gormless that means new to something like this. But you will always find this or that.
Fotografiert habe ich überhaupt nicht. Und so viel habe ich auch nicht unternommen. Mein Knie ist immer noch ein großes Handicap. Ich bin zwar dankbar keine Schmerzen beim Liegen und Sitzen zu haben. Aber das Gehen ist schmerzhaft.
I didn’t take any picture and also didn’t undertake a lot. My knee is still a big handicap. Indeed I am thankful that I don’t feel any pain, when I sit or lie. But walking is painful.

Oper Frankfurt: Falstaff – opera Frankfurt: Falstaff

Aufgrund des Urlaubs haben wir nur den Termin getauscht. Diesmal gibt es kein Bild der Baustelle. Wie ich bereits geschrieben habe, diese ist beendet und eine neue ist nicht zu sehen.
This time we changed the date because of our holidays. Today there are no pictures of the building site. As I wrote before, it is finished and there is no new one on the horizon.
Die Oper war für mich am Anfang musikalisch etwas gewöhnungsbedürftig. Gar nicht, wie man sonst von Verdi gewohnt ist. Aber am Schluß war sie wieder sehr schön. Vor allem Kurzweilig.
The stage was - for me – at the beginning it needs a little time to get used to the music.  Not at all as you are used from Verdi. But at the end, it was beautiful. Above all it was entertaining.

Hier die Beschreibung mit dem Link.

FALSTAFF
Giuseppe Verdi
1813 - 1901
Commedia lirica in drei Akten
In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Zum Werk

Ein aus finanzieller Not liebestoller Ritter, zwei identisch lautende Briefe, an zwei unterschiedliche Damen gerichtet, ein Racheplan, ein Wäschekorb, Waldelfen und Geister sowie zwei junge Liebende, die schließlich miteinander vermählt werden – das sind die Ingredienzien, aus denen Verdi und sein Librettist Boito eine gelungene Komödie zu schmieden wussten. Als Vorlage diente nicht nur der Komödienstoff, sondern auch die Figur des Ritters aus Shakespeares Historien: Der genussfreudige und bodenständige Sir John Falstaff, der dem jungen Prinzen Hal zu demonstrieren weiß, dass Ehre nur ein Begriff ist und mitnichten den Verlust auch nur einer Gliedmaße rechtfertigt. Einzigartig kleidet Verdi den sich und seiner Lebensphilosophie stets treu bleibenden dicken Ritter und die Bürger von Windsor musikalisch ein: Ein selbstironischer Zitatenschatz, der kommentierende, illustrierende und eigenständig agierenden Orchesterapparat, augenzwinkernde Onomatopoesie sowie der alles in sich aufnehmende »Triller« sind Zeugnisse von sprühendem Witz des dahinterstehenden schöpferischen Geistes. Verdi nimmt nichts mehr ernst. In jedem Takt scheint das abschließende Motto der Schlussfuge zu stecken: »alles auf der Welt ist Scherz!« Die umjubelte Inszenierung des Shakespeare-Experten Keith Warner legt einerseits feine Nuancen der Komik frei und versteht es andererseits, durch kluge Referenz auf das dramatische Werk des Theaterpraktikers zu begeistern.

Here the description with the Link. 

FALSTAFF
Giuseppe Verdi
1813 - 1901
Commedia lirica in three acts
About the piece

»God the Almighty is the creator of the sun, but man created the barrel«, wrote François Rabelais a good half a century before Shakespeare’s fat knight Sir John Falstaff. We have this French poet, who believed a smile was the best remedy for all ailments, to thank for the hedonistic type of good-for-nothings and boozers. But Falstaff, whose soul lives in the kitchen and passion in Venus’s lap, is not just a figure of fun. »I have not written opera buffa, I have portrayed a type of person«, said Verdi. Unfortunately the bourgeois community in Windsor did not appreciate this type at all and played mean tricks on the anti-social fatso. Nothing has changed: he who cannot enjoy consumption himself keeps an eye on it. But he who laughs last, laughs longest, as Falstaff shows us in the most famous fugue in operatic history. In the language of social philosophy today, the ideal of a society communicating perfectly in a humane world emerges at the end of Verdi’s last opera.
    The ensembles in Verdi’s commedia lirica are masterpieces, their metre and melodic motifs taken directly from the characters’ words. The orchestra joins in telling the story, playing a sometimes cynical, jolly game, with sighs, cheers and screams. It also fades away, along with the fatso’s dampened down fantasies when he is hungry, depicted by one cello and piccolo, to almost nothing. Identical love letters written to two wealthy women, plans of revenge, a dirty linen basket, wood elves, spirits and two young lovers are the ingredients in Verdi and Boito's successful comedy based on Shakespeare's comedy The Merry Wives of Windsor. Pleasure loving Sir John Falstaff maintains that honour is only a concept, and one that by no means justifies the loss of a limb. The ensembles in Verdi’s commedia lirica are masterpieces, their metre and melodic motifs taken directly from the characters’ words. The score turns the orchestra into a commentator and illustrator - it's eye winking onomato-poetry plays witness to the sparkling wit of the creative soul behind it all. There is only one aria in Falstaff. Verdi doesn't take anything seriously any more. It feels as if the closing motto in the final fugue is hiding in every bar: everything in the world is a joke! This extremely successful production was directed by Shakespeare expert Keith Warner who understands the fine nuances needed for comedy.

Synopsis

Falstaff and his henchmen Bardolfo and Pistola live at other people's expense in the »Garter's Inn«. Dr Cajus blames Bardolfo and Pistola for getting him drunk and robbing him. Falstaff, hard up. plans to seduce Alice Ford and Meg Page and get his hands on their rich husbands' money. Alice and Meg receive identical love letters from him. They intend to turn the tables with help from Nannetta, Alice's daughter and Mistress Quickly. Bardolfo and Pistola, finding Falstaff's duplicity dishonourable, tell Ford about Falstaff's plot. Quickly gives Falstaff Alice's invitation to call on her that afternoon. Signor Fontana (Ford) arrivies, claiming to be in love with Alice and asking Falstaff to seduce her. If her virtue is conquered once then.... Ford flies into a jealous rage when Falstaff tells him that he already has a date with Alice. Falstaff's wooing of Alice is interrupted by Quickly announcing the arrival of Meg who warns that Ford is hurrying home. The joke falls flat: Ford really does appear hunting for his rival, who hides in the dirty linen... Quickly talks Falstaff into a second meeting with Alice – at midnight, with him disguised as the „Black Huntsman“. Alice prepares the forthcoming masquerade. Nannetta, the Fairy Queen, leads the spirits who mock and torment Falstaff, who repents before seeing through the masquerade. Ford is about to marry Cajus to the veiled Queen of the Fairies when Alice asks him to marry another couple as well. Cajus kisses his bride - Bardolfo in disguise - and Ford has to give his blessing to his daughter and Fenton.